By
José Delgado
Es muy probable que Steve Hauschildt vaya a ser más que reivindicado en los años venideros, como una de las figuras más relevantes de la música ambient, tanto por su trayectoria como miembro del grupo Emeralds como por su carrera en solitario. Su último álbum Strands está resonando con fuerza en los circuitos especializados y es considerado por muchos como uno de los mejores álbumes de música electrónica de 2016. El artista de Cleveland estará tocando en directo el próximo 1 de abril en el festival Lapsus de Barcelona y en Good2b hemos tenido la oportunidad de hacerle unas preguntas.
Sé que con Emeralds había bastante improvisación pero tu trabajo más reciente en solitario me suena más estructurado. ¿Cuanto hay en tu música de improvisado y cuanto está programado de antemano?
A pesar de nuestros orígenes en la improvisación aún había bastante cantidad de integridad estructural en la música de Emeralds, especialmente durante los últimos años del proyecto. En cuanto a mi trabajo en solitario, las grabaciones consisten en tomas de sesiones improvisadas. Así que en algunos casos las canciones provienen de improvisaciones a las que luego añado overdubs, arreglos, tratamientos, ornamentos, etc. Mi set de directo consiste en programaciones MIDI pero aún hay en ellos mucha variabilidad ya que toco los instrumentos en directo incluso cuando su secuencia ha sido programada de antemano.
¿Cómo llegaste a trabajar con Kranky? ¿Que aspectos destacarías de trabajar con ellos?
Yo era fan de la discográfica incluso antes de que me contactaran para trabajar en un álbum allá por 2009. Keith Fullerton Whitman, Greg Davis, Ben Vida y otros me animaron a trabajar con ellos ya que me transmitieron cosas positivas sobre como dirigían el sello. Así que creo que Kranky se puso en contacto conmigo después de que autoeditara el CD-R Critique of the Beautiful. Joel, quien dirige la discográfica, tiene un gusto muy específico y es muy honesto sobre lo que considera que es lo suficientemente bueno como para ser publicado. Su gusto a la hora de seleccionar los lanzamientos se ha expandido mucho durante los últimos 10-15 años y aún así Kranky sigue manteniendo un sonido muy identificable.
¿Que tipo de influencias no musicales tienes? Sé que tienes un interés especial en las artes visuales ¿Piensas en términos visuales cuando concibes tu música?
Hay demasiadas influencias como para enumerarlas o pensar en ellas, a no ser que se me pregunte sobre algo específico. Durante el proceso creativo me ayuda mucho a pensar en la música en una forma no lineal o más abstracta, así que para mí las artes visuales pueden ser una de las vías de escape a la hora de conseguir algo nuevo. Con el último álbum, Strands, por ejemplo, estaba muy interesado en la idea de la emulsión o la tensión del agua y el aceite. Tengo una formación en Historia del arte y diseño gráfico, así que tiendo a enfatizar detalles y visualizar cosas en mi mente. A veces es difícil materializar las visiones que tengo y plasmarlas en la realidad de manera exacta. Pero parte de la belleza de la creación es adaptarse e interpretar el ímpetu que te lleva a trabajar en la obra.
Básicamente estábamos haciendo nuestra versión midwestern del free jazz con sintetizadores y guitarras, pero era necesario para nosotros entrar en contacto con la comunidad noise para tener y apreciar la libertad que se respiraba en la escena.
Quería volver a Emeralds y preguntarte sobre tu relación con Aaron Dilloway y Hanson Records, me gusta mucho el disco de Emeralds Solar Bridge. ¿Puedes hablarme sobre ese trabajo y tus colaboraciones con Tusco Terror y Dilloway? ¿En qué sentido la música noise ha afectado tu percepción de la música y tu forma de trabajarla?
Gracias. Solar Bridge fue grabado en vivo y en cierto sentido supuso un antes y un después para nosotros, ya que lo grabé usando un ordenador en lugar de grabar directamente en cinta como hacíamos durante los primeros años de la banda. Sacamos muchos cassettes y disfrutábamos del sonido de la cinta como medio pero ese álbum supuso un paso adelante en términos de fidelidad de sonido en nuestras grabaciones. Aún existen algunas tomas inéditas de aquella sesión que no llegaron a entrar en el álbum. El álbum capturó nuestro interés en la música raga/drone no occidental y en el free jazz. Básicamente estábamos haciendo nuestra versión midwestern del free jazz con sintetizadores y guitarras, pero era necesario para nosotros entrar en contacto con la comunidad noise para tener y apreciar la libertad que se respiraba en la escena. Conocer a Aaron Dilloway fue algo crucial en nuestro desarrollo al principio no sólo por los cientos de álbumes que nos enseñó a través de su tienda sino también porque él representa porqué la música noise fue algo tan excitante y exitoso durante muchos años. A lo que me refiero es que el “muro” entre un artista que hace noise y la audiencia is virtualmente inexistente mientras que en los círculos de la música electrónica de la época la gente tendía a ser más cerrada e inaccesible. Así que creo que esa fue la razón de porqué hicimos tantos vínculos en la escena noise del medio oeste, la gente simplemente era más humilde y deseosa de intercambiar y colaborar. No había este enorme constructo de pretensión, en su lugar había una autonomía completa.
 
Eres reconocido por usar sintetizadores analógicos en tus composiciones pero también sé que está familiarizado con los ordenadores y programas de edición de audio digitales. ¿Qué piensas acerca de todo este asunto de lo digital vs analógico? ¿Crees que detrás de este reciente “synth revival” hay un alto componente de nostalgia?
Soy crítico con las limitaciones existentes en la comunidad de los sintetizadores. Intento hacer música que vaya más allá usando nuevos plugins y abrazando el mundo digital.
Personalmente no creo en la división entre lo analógico y lo digital. Si realmente creyera en ello nublaría mi proceso creativo. Probablemente hay un cierto elemento de nostalgia ahí ya que los sintetizadores alcanzaron su mayor popularidad durante los años 80 cuando muchos sintetizadores clásicos fueron creados y utilizados por primera vez, así que a lo mejor existe gente que está intentando anclarse en ello. Yo uso los sintetizadores como parte de una mayor paleta de herramientas así que ellos no son la “razón de ser”. Creo que la caída del mundo de los sintetizadores modulares ocurre cuando existe en una cámara de eco o en un vacío y la monotonía se sigue validando. Los sintetizadores modulares ofrecen posibilidades infinitas según las mil maneras que hay de usarlos y hay cierta gente que los usa de forma creativa, pero soy crítico con las limitaciones existentes en la comunidad de los sintetizadores. Intento hacer música que vaya más allá usando nuevos plugins y abrazando el mundo digital.
¿Hay alguna música rock o “de guitarras” que haya sido influyente para tí? ¿Estás de acuerdo con la gente que dice que los sintetizadores siempre ofrecerán mayores posibilidades sonoras que los instrumentos “tradicionales” o piensas que es más una cuestión de como se “usan” esos instrumentos?
Sí, hay muchísima música basada en guitarras que ha sido influyente para mí. Soy horrible tocando la guitarra así que definitivamente aprecio la técnica que requiere tocarla. En cierto sentido diría que sí, algunos sintetizadores (por ejemplo Buchla o Serge) están diseñados para nuevos e interesantes sonidos. Pero en otro sentido la persona y el acercamiento y el uso que ésta hace determina el resultado y el contexto. En cualquier caso, los instrumentos tradicionales como la guitarra sólo están constreñidos o liberados por el instrumentista que los toca. La música que Keith Rowe y AMM hacían desde los años 60′ en adelante demuestran esto perfectamente creo.
¿Algún artista que tengas ganas de ver en directo en el festival Lapsus?
¡Totalmente! Tengo muchas ganas de ver en directo a SKY H1 por primera vez. Y hace poco estuve en Los Ángeles con Josh (Telefon Tel Aviv) y su conejo mascota, hace un par de semanas, así que será guay verlo a él en directo también.
¿Disfrutas tocar en directo tanto como componer y producir? ¿Como enfocas tu set de directo en oposición a tu proceso de producción?

Son procesos completamente diferentes así que no tiendo a compararlos. El directo actual ha estado en evolución durante los últimos tres años más o menos, así que esa evolución está separada de la de las grabaciones, que nacen de nuevas perspectivas y pasan por diferentes estadios antes de su publicación. También, en el set hay visuales y proyecciones mientras que cuando estás escuchando la música en casa puedes establecer una relación con el artwork del álbum pero aún puedes crear conexiones visuales en tu mente.